Atsumi, talentueuse dessinatrice de mangas, se retrouve plongée dans le coma après avoir tenté de mettre fin à ses jours. Son petit-ami Koichi ne comprend pas cet acte insensé, d’autant qu’ils s’aimaient passionnément. Afin de la ramener dans le réel, il rejoint un programme novateur permettant de pénétrer dans l’inconscient de sa compagne. Mais le système l’envoie-t-il vraiment là où il croit ?
Réalisateur : Kiyoshi Kurosawa Scénario : Kiyoshi Kurosawa Sachiko Tanaka • Histoire originale : A Perfect Day for Plesiosaur (Rokurou Inui) • Musique : Kei Haneoka Production : Tokyo Broadcasting System Television, Inc. • Directeur créatif et producteur : Takashi Hirano • Producteur exécutif : Hideki Tashiro, Yoshiyuki Oikawa • Producteur : Atsuyuki Shimoda • Productrice associée : Akiko Ikuno • Production musicale : Kagenobu Kuwahata • Directrice de la photographie : Akiko Ashizawa • Lumière : Hidenori Nagata Décors : Mami Ishida • Son : Shinji Watanabe • Directeur des effets spéciaux : Jun Yokoishi • Responsable production des effets spéciaux : Ryo Hatanaka • Conseiller effets spéciaux : Shuji Asano • Effets spéciaux : Keigo Kagamihara • Monteur : Takashi Sato Scripte Kazumi Matsuzawa • Assistant réalisateur : Tatsuya Yoshimura • Directeur de production : Mitsuteru Banba
Kiyoshi Kurosawa
Né le 19 juillet 1955 à Kôbe. Kiyoshi Kurosawa débute la mise en scène avec des films indépendants en 8mm alors qu’il étudie la sociologie à la Rikkyô University. En 1980, son premier film Shigarami gakuen est projeté au Festival du Film Indépendant de Tokyo. En 1983, il fait ses débuts commerciaux avec Kandagawa wars. C’est en 1997 qu’il accède à la reconnaissance internationale avec Cure, un film de serial killer. En 1999, License to live est projeté à la section Forum au Festival international de Berlin, et Charisma est ovationné à la Quinzaine des réalisateurs à Cannes. La même année, Vaine illusion est au Festival de Venise où il retourne en 2006 avec Retribution. Tokyo sonata a reçu le Prix du Jury Un Certain Regard à Cannes en 2008. Son dernier film, Shokuzai (Celles qui voulaient se souvenir et Celles qui voulaient oublier) était en sélection officielle au Festival de Venise, au Festival de Toronto et à Deauville Asie en 2012.
Filmographie
1983 The Kandagawa Wars
1985 The Excitement of the Do-Re-Mi-Fa Girl
1988 Sweet Home
1991 Guard from Underground
1995 Suit Yourself or Shoot Yourself 1 – The Heist
1995 Suit … 2 – The Escape
1995 Suit Y…3 – The Loot
1995 Suit …4 – The Gamble
1996 Suit … 5 – The Nouveau Riche
1996 Suit … 6 – The Hero
1996 A Visit from Fate
1996 The Revenge – The Scar That Never Fades
1997 Cure
1997 Serpent’s Path
1997 Eyes of the Spider
1998 License to Live
1999 Charisma
1999 Séance
2000 Kairo
2000 Vaine illusion
2002 Jellyfish
2002 Doppelgänger
2005 Loft
2005 House of Bugs
2006 Retribution
2008 Tokyo Sonata
2012 Shokuzai : Celles qui voulaient se souvenir
2012 Shokuzai : Celles qui voulaient oublier
L’amour selon Kurosawa
Kiyoshi Kurosawa a décidé de nous raconter l’histoire d’un amour véritable. Lorsqu’un jeune
homme décide de percer le secret qui entoure la tentative de suicide de
son amie, la frontière entre le réel et l’irréel s’estompe… Ce qu’il
va découvrir dépassera tout ce qu’il aurait pu imaginer. Et ce sera le
début d’une grande histoire d’Amour nmystérieuse. Le roman original A perfect day for plesiosaur
a reçu en 2010 l’un des plus grands prix littéraires japonais. Les
membres du jury ont récompensé ce roman en soulignant la qualité de son
histoire, impatients de connaitre l’impact qu’il aura sur les
spectateurs. Kiyoshi Kurosawa a réussi à adapter ce roman en remaniant
sa structure sans toutefois perdre son charme intrinsèque.
« L’adaptation de ce roman a été pour moi une sorte de défi, car comment filmer à l’intérieur du coeur ? »
Quatre ans après le magnifique Tokyo sonata, Kiyoshi Kurosawa revient au cinéma. De grands acteurs de renommée mondiale ont rejoint rapidement le casting :
Takeru Sato, Haruka Ayase, Miki Nakatani, Joe Odagiri, et bien sur Kyoko Koizumi, la muse des films de Kurosawa.
ENTRETIEN AVEC KIYOSHI KUROSAWA
Votre dernier film est sans doute celui qui a un rapport le
plus complexe avec la vérité et pourtant il s’appelle Real. Pourquoi ?
Ce film est l’adaptation d’un roman original : A perfect day for plesiosaur (Un jour parfait pour le plesiosaure). Le héros y explore l’inconscient des gens et parvient de moins en
moins à distinguer le réel de l’irréel. Jusqu’à ce qu’il découvre un
passé tenu secret. Quand j’ai adapté cette histoire à l’écran, j’ai
cherché un titre simple qui clarifierait l’intrigue. Je trouvais que le
titre original augmentait la confusion, je voulais un titre qui résume
le film en un seul mot. Au départ, j’avais choisi « Unreal » (« Irréel
»), qui me semblait adapté au sujet car, dans l’histoire, tout n’est pas
réel. Après le tournage, j’ai réalisé que «Unreal» ne convenait pas
car, contrairement aux apparences, tout pouvait être réel. Ce titre
résonne avec ma conception des films : il a des points communs avec ma
méthode. Sur les tournages, je n’ai qu’une obsession : filmer la fiction
de la façon la plus réaliste possible. Faire des films, c’est
précisément rendre réel ce qui ne l’est pas. Ainsi, en filigrane, le
titre évoque le principe même du cinéma.
Real est une très grande histoire d’amour. Mais
pourquoi l’amour est-il si difficile à obtenir, pourquoi le romantisme
de votre cinéma nous entraîne toujours sur un chemin sinueux ?
A la base, le personnage principal a plutôt un tempérament pessimiste.
Que ce soit vis-à-vis de la société ou de la personne qu’il aime, son
scepticisme l’empêche d’exprimer ses sentiments. C’est le point de
départ. J’ignore pourquoi, mais mes films partent souvent de ce
postulat. C’est totalement inconscient. Personnellement, je ne pense pas
être comme ça, mais au Japon, que ce soit chez les hommes ou les
femmes, il me semble que ce profil est assez courant. De nos jours, les
gens sont un peu pessimistes, ils ont du mal à croire à ce qui est sous
leurs yeux. Du moins c’est ma représentation de la moyenne des gens.
Cependant, ce qui m’intéresse avant tout, c’est d’emmener le personnage
jusqu’au point où… il comprend qu’il a eu raison de croire en ce à
quoi il a cru. Car après avoir surmonté quelques difficultés, il réalise
qu’il avait vu juste en ayant foi en certaines choses. Au final, c’est
donc une vision plutôt optimiste. Et toute l’histoire nous emmène vers
cette issue plus positive. C’est le cas dans la plupart de mes films, y
compris Real.
A part Kairo, il y a peu de couples dans votre cinéma ?
Real a ce point commun avec Kairo
que les héros soient un jeune homme et une jeune femme. J’avais
provisoirement laissé tomber les histoires de jeunes gens pour aborder
le thème de la famille. Dix ans plus tard, j’ai finalement eu envie de
tourner à nouveau l’histoire d’un couple, de me poser à nouveau la
question de savoir comment ils allaient avancer et vivre l’avenir. Real
est peut-être la concrétisation de ce regain d’intérêt de ma part. Mais
celle qui fait finalement des efforts, c’est la femme. Curieusement. Au
départ, l’homme se démène, mais ensuite, c’est la femme qui prend le
relais et qui tente de sortir l’homme de son marasme pour aller vers le
bonheur. Et c’est vrai dans Kairo aussi.
On s’est habitué à voir dans vos films des personnages dans
le coma. Qu’est-ce que cet état entre la vie et la mort a de si spécial
pour vous ?
Qui sait si être dans le coma, c’est être mort ou vivant ? J’ai
toujours trouvé ce thème à la fois lourd et intéressant. Dans mes films
précédents, il en était déjà question. Souvent, mes personnages errent
entre la vie et la mort. Mais, plus que les autres, ce film aborde
l’état comateux de façon directe et frontale. Minutieusement. Je n’ai
pas tellement pu explorer l’aspect médical, mais dans un futur projet,
je n’exclue pas de traiter le sujet par un biais plus scientifique. Car
c’est passionnant. Des gens morts en apparence, qui s’avèrent souvent
être pleinement conscients. Comment faire pour communiquer avec eux ?
C’est un thème qui préoccupe la médecine contemporaine.
Le manga a toujours été présent dans vos films, mais le plus souvent comme prétexte. Dans Real,
il est absolument central. Il va jusqu’à se matérialiser d’un point de
vue narratif. Pourquoi un tel investissement dans ce genre littéraire ?
Je ne suis pas un connaisseur en matière de mangas. Je ne saurais pas
les définir, pas plus que je ne connais leur place dans le Japon actuel.
Cependant, j’ai observé l’apparition d’un certain type de mangas qui ne
déforment pas la réalité. Au contraire, ils tentent d’en faire une
reproduction fidèle. Et ça m’intéresse beaucoup. Souvent, les
dessinateurs reproduisent des photos en retouchant les originaux sur
ordinateur. Même les visages sont réalistes, ils ne sont pas déformés et
ont l’air de vrais Japonais. Pourquoi les dessinateurs sont-ils si
attachés au réel ? Quand j’ai interrogé certains d’entre eux, tous m’ont
dit qu’en réalité, ils aimeraient réaliser des films. Qu’ils rêvent de
mangas qui ressembleraient à des films. En tant que réalisateur de
films, je trouve ça très curieux. Car, de mon point de vue, un film n’a
pas vocation à extraire la réalité telle quelle. Certes, la caméra
permet de filmer le réel. Mais à cela, on ajoute des éclairages,
des décors, et on modifie la réalité de nos propres mains. Ainsi
s’établit la fiction, le drame. Pour moi, c’est la mise en scène qui
marque les esprits. À l’inverse, ces dessinateurs de mangas travaillent à
l’épure. Ils veulent coller à la réalité. Pour se rapprocher des films,
en ayant des principes opposés. Et des intentions opposées. Ça m’a
interpellé. D’où mon envie d’intégrer ces éléments dans monfilm, de
mettre en scène des dessinateurs qui finissent par confondre le réel et
l’irréel.C’est un thème qui me tenait à coeur.
La plupart de vos films ont été filmés à Tokyo, dans la
jungle urbaine, dans des endroits serrés, chargés. Dans Real, on
découvre une île plutôt utopique. A quel point a-t-elle été importante
dans ce film ?
Ce n’est pas forcément par volonté de filmer Tokyo. Je dirais même que
c’est rarement le cas. À quelques exceptions près, je cherche en réalité
à filmer des lieux neutres. Des lieux abstraits. Des villes, des
routes, des montagnes banales. Je rêverais de tourner dans des lieux qui
ne soient nulle part. Ceux que j’imagine en écrivant le scénario.
Mais quand j’explique ça au producteur, il me dit : « Comment ça nulle
part ? Si ça n’a pas d’importance, autant tourner ici, à Tokyo ! ».
Autrement dit, « nulle part » se transforme en « n’importe où ». D’où le
fait que presque tous mes films sont tournés à Tokyo. Pour Real,
l’histoire est censée se dérouler à Tokyo, d’où quelques plans de la
ville au cours du film. Cependant, pour les scènes clés du passé, il
fallait un autre lieu. Celles où apparaissent les souvenirs et les
secrets des personnages. Pour le coup, je voulais un lieu qui ait l’air
d’être nulle part. C’était indispensable du point de vue narratif.
J’ai décidé de respecter le roman original, et de choisir une île pour
tourner ces scènes. Dans le roman, il est question d’Okinawa. Les
descriptions permettent d’avoir une idée précise du décor. Pour
l’adaptation à l’écran, j’ai volontairement choisi d’éviter Okinawa au
profit d’un lieu moins reconnaissable. Une île qui soit un lieu
abstrait. Ce lieu fait partie intégrante du déroulement du film. C’est
la première fois que je tournais sur une île. Je n’ai aucune idée de la
façon dont les Français voient cette île. Au Japon, rares sont ceux qui
sont capables de la situer. Les gens l’imaginent au sud sans savoir où
exactement. Mon objectif est à moitié atteint, car les gens
s’interrogent, certains doutent de son existence. L’île devient un lieu
étrange, abstrait et inaccessible. Reste à savoir si les étrangers
auront la même sensation.
Dans Real, les effets spéciaux sont plus complexes
qu’à l’accoutumée, avec un grand travail d’animation numérique, dont ce
dinosaure. Comment voyez-vous ce travail technologique ?
J’ai l’habitude d’utiliser ces techniques. Mais, comparativement à mes
films précédents, Real en utilise beaucoup plus, et de bien meilleure
qualité. Ils tiennent un rôle très important dans le film.
Personnellement, je m’intéresse aux nouvelles techniques, et en
particulier à celles que je n’ai jamais utilisées. Dès que j’en ai
l’opportunité, j’essaie d’en profiter. Pour voir ce qu’elles apportent
au film. Je ne comprends pas qu’on dénigre ces techniques sans les
connaître. Une fois qu’on les a essayées, on est libre de ne pas en
vouloir. Moi, j’ai eu envie de continuer à explorer ce champ de
nouveautés. Dans le cas de Real, par chance, le contenu réclamait
l’usage de ces différentes techniques. Et surtout, je disposais d’un
budget plus important. J’en ai donc profité pour intégrer de nouveaux
effets spéciaux, ce qui m’a permis de réaliser toutes sortes d’images.
Cela rejoint ma réponse précédente, mais grâce à cela, j’ai pu
m’extraire de Tokyo et filmer des lieux plus abstraits. J’ai pu créer un
espace plus propice au film. Des paysages correspondants exactement à
la dramaturgie. Cela m’a permis de donner du relief. C’est une chance de raconter une histoire totalement différente
des précédentes grâce à ces effets. Le Japon possède
d’excellentes techniques qui n’ont rien à envier à Hollywood. J’ai pu le
vérifier de mes propres yeux.
Est-ce que faire un film avec des effets spéciaux fait peur ?
C’est un moyen d’expression parmi d’autres. Il y a plusieurs degrés de surprise, plusieurs façons de l’être. Mais pour montrer aux spectateurs des choses qu’ils n’ont jamais vues, ou pour les étonner au point qu’ils n’en reviennent pas, on n’est pas obligés d’avoir recours aux effets spéciaux. La mise en scène, l’intrigue, le jeu des acteurs, les éclairages, les jeux de caméra, les décors : sans une juste combinaisonde toutes ces composantes, les spectateurs ne sont pas surpris. Il suffit de voir les films d’Alfred Hitchcock pour le comprendre. Autrement dit, les effets spéciauxne sont qu’un des éléments qui constitue la somme du film. Et si le film et l’intrigue le requièrent, je trouverais dommage de s’en priver.
Propos recueillis par Francisco Ferreira – Locarno août 2013
ROOMI
Le manga inachevé d’Atsumi, l’héroïne de Real Avant la sortie du film, les premières planches de « Roomi », le manga qu’Atsumi réalise au moment où elle se retrouve dans le coma, ont été spécialement éditées en France. Par cette approche « transmédia », le distributeur Version Originale/Condor cherche à prolonger le sujet du film, en particulier le trouble de perception que ressentent les personnages entre le réel et la fiction. En offrant aux spectateurs la possibilité de chercher dans le manga des indices qui expliqueraient la tentative de suicide d’Atsumi, il leur est proposé de vivre pleinement l’expérience du film, avant que Koichi lui-même ne mène cette enquête dans Real. Que cache Roomi ?
« Roomi » a été lancé le 31 janvier 2014 au Festival de la bande-dessinée d’Angoulême et sera disponible dans les salles art et essai et les manga-stores de France.